08:00 – 17:00, 2021; Concordarsi per una pausa, 2021; Relazioni occasionali, 2023; Rifugio, 2023; Sporco, caldo, duro lavoro, 2024; Cupo, 2024, sono una serie di opere realizzate da Marco Degl’Innocenti tra il 2021 e il 2024, che hanno come tema di indagine il lavoro. Se “l’elogio di una mano” che crea, in sintonia con l’attorno e la natura, sono argomenti affrontati nelle opere precedenti, in questa nuova produzione l’artista sembra mettersi in ascolto, osservando la sapienza e la fatica dei lavoratori, grazie ai quali anche alcune delle sue opere prendono vita. La riflessione si orienta su temi come “alienazione” e “emancipazione”, su un lavoro inteso non solo come atto di creazione ma come vera e propria fonte di sostentamento legata a un contratto e un orario. Tutto nasce durante una passeggiata la mattina di un Primo Maggio quando, incastonato nell’asfalto, affiora un bullone. (Serena Becagli)

Marco Degl’Innocenti, 08:00 – 17:00. 2021 Bronzo 50×70 cm, 2 elementi. Foto Veronica Citi.

Questo lavoro, che ho intitolato 08:00-17:00, nasce da una fotografia scattata il Primo Maggio (festa dei lavoratori) del 2021. Mentre camminavo notai un bullone con dado imparentato con l’asfalto del manto stradale, mi piacque molto questa immagine e mi chiesi da quanto tempo quel bullone potesse essere lì, perché era evidente che il tempo aveva lavorato sia sul bullone, sia sul dado che sull’asfalto. Mi chiesi anche perché un bullone con dado fosse finito proprio lì! Poteva essere caduto a qualche operaio mentre lavorava alla nuova strada. Decisi poi di tornare a fare un’altra fotografia in un orario diverso, mentre il paesaggio intorno cambiava e nel frattempo si depositavano foglie portate dal vento e tracce di animali di passaggio. La prima foto è stata scattata alle 8 di mattina, la seconda alle 17, esattamente nell’orario di lavoro di un operaio. Decisi di trasformare queste foto in bassorilievo, partendo dal calco del manto stradale, con bullone e dado incastonato nell’asfalto, che erano rimasti lì ad aspettarmi… 

Marco Degl’Innocenti, RELAZIONI OCCASIONALI, 2023. Quattro stampe fotografiche su carta Hahnemuhle, cornice/scultura 43,5cmx 53,5cm variabili, penne di istrice. Foto Veronica Citi.

Un ramo cade sulla strada, proprio su una striscia segnaletica ancora fresca di vernice. Il ramo lascia la sua traccia perché il vento non ha spostato niente fino al mio passaggio. Bianco su bianco. Sposto il ramo e la sua nera impronta affiora. Una relazione occasionale tra il lavoro umano e la natura. Una striscia di vernice delinea il margine di una strada di campagna, spesso è attraversata da animali che lasciano tracce, impronte, e parti di loro stessi. 

Marco Degl’Innocenti, CUPO, 2024. Stampa su carta fotografica Hahnemuhle montata su alluminio, 50×70 cm, bronzo con patina 52x40x32 cm. Foto Veronica Citi.

Uno scatto al cielo, alcune nubi scure sulla ditta edile dove di solito compro i materiali per le mie opere e dove cerco sempre di fermarmi a parlare con gli operai che ci lavorano, per raccogliere consigli e suggerimenti. Scattai questa foto mentre uno di loro agitava nel cielo una mazza, attrezzo usato sia per costruire che per demolire qualcosa, e durante quel gesto, accompagnato da un’espressione molto cupa in viso, il lavoratore mi disse: “Via via, vado a vedere se trovo le cinque!!”. Quell’espressione mi fece sorridere ma anche pensare. Riguardando la foto notai che il protagonista mancava, perché avevo fotografato solo le sue braccia. Per questo modellai accanto alla foto una nuvola antropomorfa in argilla, realizzata poi in bronzo patinato. Mi piaceva l’idea di riprodurre l’espressione di quel volto ombroso e minaccioso, pensando al dipinto di Giorgione “La tempesta”, o ai dipinti di Andrea Mantegna dove l’artista veneto ricreava con nuvole animate volti, paesaggi e autoritratti. 

Marco Degl’Innocenti, SPORCO, CALDO, DURO LAVORO, 2024. Video proiettato su tablet 17×27,5 cm, gres 35x27cm. Foto e video dell’installazione di Veronica Citi. Link al video

Un giorno in una fonderia artistica, dove le temperature altissime e la polvere sono la consuetudine, ho girato questo video durante una particolare fase lavorativa di una fusione: l’acqua che si decanta dalla terra di fusione (loto) trasuda dalla trama degli enormi sacchi. Gli operai che stavano lavorando intorno al macchinario indossavano tutti un asciugamano intorno al collo per cercare di assorbire il troppo sudore. Queste immagini della lavorazione si sono sovrapposte, così ho modellato con argilla gres un drappo, come fosse appoggiato intorno al collo di una persona, per farlo diventare l’elemento che sorregge, e “deterge” il video. 

Marco Degl’Innocenti, CONCORDARSI PER UNA PAUSA, 2021. Bronzo 63x20cm, rame e bronzo 18x10cm, mensola in legno 100x25cm, motore elettrico. Foto e video dell’installazione di Veronica Citi. Link al video.

Concordarsi per una pausa è una riflessione sul suono che sconfina oltre il tempo precostituito creandone un altro. Il suono come forma di meditazione, di ricerca e di cura. Si pensa che in alcuni popoli il suono abbia la funzione di curare lo stato d’animo, portando alla conoscenza del proprio io. Il suono emesso dai miei strumenti da lavoro, ascoltato in un altro momento assume un altro valore. Ho voluto ricreare quel suono sotto forma di scultura, rappresentando i miei strumenti in bronzo e assemblandoli in un’unica forma, montata su un motore elettrico rotatorio che, sfregando su piccoli perni di acciaio armonico, emette suoni. Nelle microfusioni, i piccoli oggetti in cera vengono montati su un pernio centrale, questo assemblaggio di elementi ricorda molto la forma degli alberi. Suono e “alberi di risonanza” (come gli abeti rossi che nascono tra il Friuli e il Trentino) chiamati anche “alberi che cantano” e da cui Antonio Stradivari prendeva il legno per realizzare i suoi strumenti. Nel 2018 la tempesta Vaia distrusse proprio in quella zona milioni di abeti rossi, dopo poche settimane il violoncellista Mario Brunello suonò appoggiando il proprio violino sul tronco di un albero, suonando non tra gli alberi ma insieme a loro: quell’albero suonò con lui.

Come scrive Alda Merini nella poesia “Tu non sai”

Pensa che in un albero ci sia un violino di amore. Pensa che un albero canta e ride. Pensa che un albero sta in un crepaccio e poi diventa vita.

Mi piaceva molto tutto questo: la forma, il fatto che tutti i miei strumenti avessero perso la loro funzione e ne avessero assunta un’altra, emettendo un suono che sa di riposo durante una pausa contemplativa. 

Dopo aver letto il libro di Isabella Loiodice Il lavoro fra alienazione ed emancipazione, ho riflettuto su queste due parole: alienazione ed emancipazione. Parole spesso così sovrapponibili in cui esiste l’elemento di servitù, del dover lavorare per sopravvivere. L’emancipazione che può donare, e l’alienazione che invece può sottrarre. I “prodotti” del lavoro dell’uomo non sono più soltanto degli oggetti materiali, ma sono le conoscenze, le idee, le capacità innovative e le competenze intellettuali. Il prodotto materiale acquista un valore aggiunto se dietro c’è un professionista capace di saperlo vendere. Il lavoro in fabbrica è molto cambiato, non viene più svolta per tutto il giorno la stessa mansione che crea appunto alienazione, infatti viviamo in una società post-materiale. Pensando alle pagine del libro appena letto ho ripreso con il telefono una punta di trapano a colonna mentre forava una base in metallo: quali sensazioni avrei provato nel fare un lavoro così ripetitivo e alienante, svolto per ore e ore? Avrei avuto sicuramente il bisogno di trovare una via di fuga da tanta monotonia. La base in metallo dove il trapano continuava a fare il suo lavoro mi ha fatto pensare all’uso di un’altra base in metallo. Così ho scelto una lastra di alluminio che prima ho colorato di blu notte, poi leggermente incisa con un trapano che, scalfendo superficialmente il colore, ha creato tanti piccolissimi crateri luminosi come un cielo stellato. La via di fuga, un rifugio tra i due elementi, che rappresenta anche un nuovo tipo di professione: il “tele-lavoro”. 

“Paesaggi personali è un paesaggio plurale in cui il personale – privato e intimo – si apre alla rivelazione e alla condivisione. Un panorama composto da singole storie, quelle degli artisti Antonello Ghezzi, Sergia Avveduti,Mohsen Baghernejad Moghanjooghi, Luca Caccioni, Fabrizio Corneli, Marco Degl’Innocenti, Lori Lako, Erika Pellicci, Sandra Tomboloni, che si esplica in una pluralità di punti di vista e inquadrature, di riflessioni e stati d’animo. Ogni opera è un posto dove non siamo mai stati, un sentimento che non abbiamo ancora provato.

La notte del primo ottobre 2021 è caduto un meteorite tra Pistoia e Prato. Una roccia di colore nero intenso di pochi centimetri di diametro e che pesa fra i 30 e i 100 grammi ha attraversato il cielo ed è stata avvistata da ben otto telecamere. Il meteorite non è stato ancora recuperato e gli scienziati si sono appellati agli abitanti della zona, che si sono organizzati per le ricerche. Una parte di universo sconosciuta è caduta sulla Terra proprio in questo periodo, qui vicino, suscitando inevitabilmente attenzione, sogno, curiosità e interesse scientifico.

In un momento in cui siamo iper-connessi e tutto sembra a portata di mano, inscatolato e catalogato, un piccolo frammento di roccia extraterrestre ci richiama al mistero e alla distanza.

Nicolas Bourriaud nel suo recente saggio Inclusioni. Estetica del capitalocene ci ricorda la preoccupazione di Aby Warburg quando nel 1896 nel suo scritto Il rituale del serpente dice: “Il telegrafo e il telefono distruggono il cosmo. Il pensiero mitico e il pensiero simbolico, lottando per attribuire una dimensione spirituale alla relazione dell’uomo con il suo ambiente, hanno fatto dello spazio una zona di contemplazione o di pensiero, spazio che la comunicazione elettrica istantanea annienta”.

Il tema del paesaggio è un tema infinito, che ci parla dell’incontro di natura e cultura, dello stratificarsi di gesti, scelte, tradizione e innovazione. L’opera d’arte può diventare quel dispositivo trasformatore che ci fa compiere un passo indietro e che ci fa introdurre volontariamente una distanza con il mondo esterno, per vederlo e sentirlo in modo nuovo.

Un percorso tra video, sculture, installazioni, interventi site-specific, carte, disegni, fotografie, luci, proiezioni e apparizioni, in cui i termini più ricorrenti sono: stratificazione, memoria, terra, trasparenza, architettura, cielo, origine, limite, destinazione.

La mostra Paesaggi personali, a cura di Serena Becagli, osserva alcuni aspetti della rappresentazione, del sogno, della ricostruzione del paesaggio, della riflessione sul cosmo e su quello che ci sta intorno, in cui alcuni artisti – di diverse generazioni e di diversa provenienza geografica – si confrontano in una convivialità delle differenze.”

“Marco Degl’Innocenti (Firenze, 1972) porta avanti una ricerca che indaga tutti quegli aspetti riguardanti la manualità, la creazione e il rapporto tra l’artista e le sue opere, tra la mano e i suoi strumenti. Il tema del lavoro, con i suoi attrezzi e i suoi tempi, si traduce in curiosi collegamenti di materiali e oggetti, che coesistono in perfetta armonia con gli elementi naturali.

L’opera Terra perduta rende esplicito questo concetto. Innestando il calco in bronzo delle sue mani su due strumenti da lavoro – sul manico di una zappa e di una vanga – l’artista crea una sorta di autoritratto che però non è un busto da collocare su un piedistallo, ma una protesi, uno strumento che idealmente estende le capacità, senza la presunzione di elevarsi, ma restando appoggiato a terra, toccando letteralmente il suolo. La mano tocca, plasma e crea, la mano accarezza, la mano è lavoro e riposo, è creazione e piacere. 

Questa simbiosi tra l’uomo, i suoi strumenti, la natura e il paesaggio, è ben percepibile nella serie di disegni Accordo. Qui l’artista cerca, e trova, armonia tra elementi apparentemente inconciliabili e lontani, ma in realtà estensione e propaggine della terra. Sul disegno a grafite di un ramo si sovrappone la riproduzione di una chiave inglese, una replica in gesso, un materiale che si confonde con il foglio bianco da disegno, riportando a una consonanza naturale tra elementi. Una sintonia che avviene attraverso un processo artistico e di visione.” (Serena Becagli)

PAESAGGI PERSONALI
Antonello Ghezzi, Sergia Avveduti, Mohsen Baghernejad Moghanjooghi, Luca Caccioni, Fabrizio Corneli, Marco Degl’Innocenti, Lori Lako, Erika Pellicci, Sandra Tomboloni

5 dicembre 2021 – 29 gennaio 2022
a cura di Serena Becagli

Galleria ME Vannucci, Pistoia

ll fuoco di un cuore che incendia la mente
Può fondere il gelo del marmo bollente
Onoro il braccio che muove il telaio
Onoro la forza che muove l’acciaio
Esiste lo so!

A ja ljublju SSSR

CCCP

La mano e la mente sono in costante connessione. Gli strumenti sono una nostra naturale estensione, sono co-creatori. Marco Degl’Innocenti gioca con la creazione e con i materiali, con le superfici, a volte con l’inganno, per dare spazio alla dimensione del lavoro, dello stare in studio sull’opera, sull’oggetto, con la mente e con le mani. La mano dell’artista esegue gli ordini delle idee, come se dall’ideazione fino al momento della realizzazione non ci fosse dispersione di energia. Una produzione senza deleghe, senza intermediari.
Tornare a toccare, a creare con la mano e a impugnare gli strumenti del mestiere.
Gli strumenti che Marco utilizza diventano poi, a loro volta, oggetto della riflessione, nella consapevolezza che quell’oggetto sia un prodotto dell’uomo, suo “amico” e sua evoluzione, che con il tempo e la familiarità permette all’artista di estendere la sua mano, e la sua manualità.

“L’essere umano ha da sempre potenziato l’apparato fisiologico naturale con pezzi aggiunti, le protesi per prolungare la propria dotazione naturale, l’uomo si distingue dall’animale per capacità di usare strumenti e li varia e li migliora con il tempo. 
La cultura, dunque, si articola inevitabilmente in due livelli (in due strati, in due ambiti funzionali), l’uno dei quali è da dirsi propriamente materiale, e riguarda la sfera delle pratiche tecniche, degli interventi strumentali, e l’altro riguarda la sfera delle ‘fughe in avanti’, il momento in cui l’uomo ‘pensa’ alle possibilità future. 
Certo, occorre guardarsi, appunto, dal cadere nei due errori opposti, di credere cioè che il martello sia esclusivamente natura o materia, trascurando di cogliere di esso l’aspetto che ne fa un’idea materializzata; o di considerare le idee come spazio di contemplazione pura, avulsa dalla vita pratica.”

L’opera Coesistere è un ardito innesto di chiavi inglesi su rami di alberi riprodotti in bronzo: natura e artificio, un materiale ricco come il bronzo accanto all’acciaio proveniente da un qualsiasi bancone di officina. Lo strumento da lavoro diventa frutto, così come un disegno o una scultura sono il frutto dell’artista creatore. La spontaneità e il mistero della natura accanto alla praticità della chiave inglese, in un rincorrersi tra forme culturali e naturali, in un continuo stato di collaborazione tra uomo e natura.
Cosa è naturale allora? Una pianta, quando cresce, supera legge di gravità. 

Questa simbiosi tra l’uomo, i suoi strumenti, e la natura è ben percepibile nella serie di disegni Accordo. Qui l’artista cerca, e trova, armonia tra elementi apparentemente inconciliabili e lontani, ma in realtà estensione e propaggine della terra. Sul disegno a grafite di un ramo si sovrappone anche qui la riproduzione di una chiave inglese, una replica in gesso, una materiale che si confonde con il foglio bianco da disegno, riportando a una consonanza naturale tra elementi. Una sintonia che avviene attraverso un processo artistico e di visione.
Germano Olivotto, artista prematuramente scomparso che ha lavorato tra gli anni Sessanta e Settanta, operava delle “sostituzioni” nelle quale inseriva un tubicino al neon sul ramo di un albero. Questi tipi di interventi avvenivano sia come installazioni, che anticipavano interventi di arte ambientale, che come fotografie di alberi su cui veniva direttamente installata la luce al neon. Un intervento umano sulla natura che non era, come in questo caso, né brutale né aggressivo.

In Coesistere e Accordo gli elementi naturali si sintonizzano con qualcosa di altro. Non si tratta di un’alterazione della natura, ma di una metafora della convivenza e dello sviluppo spontaneo delle cose, in cui l’intervento dell’uomo non risulta invadente. 

Manualità è l’opera in cui la dimensione concettuale si spinge più in là e in cui la poetica di Marco Degl’Innocenti si rende esplicita. Attraverso il calco di tutte e cinque le impronte delle dita, l’artista crea delle micro-sculture in bronzo con le quali compone a parete la scritta MANUALITÀ: la realtà diventa concetto. Il senso del tatto è enfatizzato, partendo da una riduzione a traccia, o impronta, che riesce a evocare e a materializzare prepotentemente un’idea.
Uno dei testi a cui Marco Degl’Innocenti fa spesso riferimento è Elogio della mano, il saggio del 1939 di Henri Focillon in cui si parla di un’amicizia tra la mano e l’utensile, e quella progressiva abilità e simbiosi che nasce e che fa diventare lo strumento cosa viva. Attraverso la mano avviene la conoscenza, il bambino tocca per conoscere le cose e l’artista prolunga quell’esperienza. La mano è l’estensione della nostra mente.

In questo momento su Marte è in corso la Missione Perseverance e un sofisticatissimo robot, dotato appunto di una mano meccanica, sta raccogliendo campioni di roccia da rispedire sulla terra per analizzarli e capire se c’è traccia di vita. Una mano manovrata dal pianeta terra è giunta fino su Marte, la nostra protesi si è estesa fino là. 
Gli strumenti diventano un tutt’uno con l’uomo nell’opera dell’artista fiorentino, ma non nel senso di annullamento anestetico in cui l’inorganico si sostituisce alla carne, ma una metamorfosi gentile, un cambiare pelle giocoso, come fosse naturale ma non scontato. Non uno straniamento, né un compiacimento estetico o un puro esercizio di stile ma sincera sintonia. Un tocco che sente la vibrazione dello scorrere lieve di una matita su un foglio, del martello che forgia un pezzo di metallo, della sgorbia che incide il legno. Pelle, nervi, muscoli, ossa, collegati al cuore e al cervello; l’occhio osserva e sente, l’orecchio è su ogni poro. Come un voler amplificare per il timore di perdere queste abilità e immolarsi contro un’estinzione programmata del fare.

L’opera Terra perduta rende esplicito questo concetto. Innestando il calco in bronzo delle sue mani su due strumenti da lavoro – sul manico di una zappa e di una vanga – l’artista crea una sorta di autoritratto che però non è un busto da collocare su un piedistallo, ma una protesi, uno strumento che idealmente estende le capacità, senza la presunzione di elevarsi, ma restando appoggiato a terra, toccando letteralmente il suolo.
La mano tocca, plasma e crea, la mano accarezza, la mano è lavoro e riposo, è creazione e piacere. L’universo è tutto da esplorare: la terra, il cielo e i pianeti ma anche noi stessi e il nostro corpo. Di solito si studia la materia, ma siamo composti anche di energia vitale, di una parte invisibile dell’essere e della sostanza. Le mani sono anche un prolungamento del cuore, sono quasi la fioritura del nostro essere. Il sentire e toccare dell’artista è capace di portarci oltre i cinque sensi.

Un dito in alabastro appare appoggiato su una tavoletta in scagliola, tecnica di intarsio che tra la fine del Cinquecento e i primi anni del Seicento nacque per imitare marmi e pietre dure e realizzare manufatti altrettanto belli ma meno costosi e pesanti. Io, alabastro e scagliola: le preziose tavolette ritraggono ancora una volta una chiave inglese, utensile brevettato in piena rivoluzione industriale nella prima metà dell’Ottocento, uno strumento appartenente all’età meccanica pre-elettronica. Uno strumento banale che fa parte dell’equipaggiamento di un’officina meccanica ma che è presente in ogni casa come elemento essenziale per piccole riparazioni domestiche. Uno strumento che prima non c’era ma con il quale l’essere umano ha preso confidenza e che, una volta afferrato dalla mano, ne potenzia le capacità. Un dialogo tra materiali e tecniche quasi desuete, con cui l’artista si ritrae inserendo la riproduzione del suo dito in alabastro, che resta però in disparte, sul bordo della rappresentazione, quasi come una firma, una testimonianza o una semplice indicazione.

La stessa mano si diverte a manipolare e trasformare, semplicemente piegando delle monete che vengono installate nell’angolo di una stanza in Lavoro remunerativo. Di nuovo piccoli pezzi vanno a formare un insieme, monete di metallo allungate dalle dita dell’artista, compiaciuto nel giocare con il concetto di produzione, di quantità, di idee, di un lavoro – come quello dell’artista – che spesso non corrisponde alla quantità di ore impiegate ma dall’ideazione che dà forma alle cose. Una sfida alla società consumistica.

Si rafforza l’omaggio alla mano, e al lavoro manuale, nelle opere Manforte e Mano destra e mano sinistra in cui il soggetto dell’opera diventa il guanto da lavoro. In Manforte la coppia di guanti è congelata in una forma di rame installata in un’asta filettata. Mentre in Mano destra e mano sinistra dei medesimi guanti resta solo un’impronta ricavata su due tavolette di porcellana. Una serie di bulloni realizzati in alabastro e avvitati sempre su di un’asta filettata si colloca tra le due tavolette, continuando quel dialogo tra arte e artigianato, in una contemplazione di quei banali strumenti del lavoro quotidiano che tanto hanno aiutato e aiutano l’essere umano nello svolgimento delle sue attività. Se la mani di Terra perduta toccavano il suolo, i bulloni, come le chiavi inglesi appese ai rami di Coesistere, si proiettano in alto.

In Riposo Estivo tutti i materiali sono coperti dello stesso colore, cambiano pelle e diventano tutt’uno con lo sfondo che è un cielo dipinto a vernice su una lastra di alluminio. Due martelli realizzati con due fusioni diverse, una in bronzo e una in alluminio, sono dipinti come fossero dello stesso cielo della base su cui si accendono, una ad una, le stelle. Stelle che sono sogno, che sono quel cielo che solitamente sovrasta e che invece si rovescia a terra per farsi culla e pavimento. Stelle che l’artista accende scalfendo la patina di colore con per tirare fuori quella luce che l’alluminio, materiale conduttore per eccellenza, sa restituire. Una sosta, una tregua. Lo strumento, i due martelli, sono io che sogno di riposare, che sogno di prendere una posizione di riposo, che smetto di battere e colpire. Il tempo del riposo e il tempo del lavoro sono tempi che nella ricerca di un artista si sovrappongono. L’opera d’arte è spesso un sogno potente che diventa realtà, qualcosa che ci tiene svegli la notte. 

In Notte stellare è ancora più esplicito il senso di non riposo che accompagna l’artista. Un cuscino tempestato di stelle che in realtà sono piccole capocchie di viti a stella, fissate su una stoffa di jeans, un tipo di stoffa un tempo usata nell’antico porto di Genova per coprire le merci o per confezionare i sacchi in cui erano riposte le vele delle navi. Di nuovo elementi prelevati dal mondo del lavoro. Come se l’artista, durante il sonno, continuasse con un movimento automatico a fare, come se le sue mani continuassero a produrre, proprio lì, sotto la testa, che riposa, o forse pensa. Pensa a quello che ha fatto oggi o a quello che farà domani. E infatti, poco sopra, al posto del comodino troviamo un cacciavite infilato in verticale nel suo apposito porta cacciaviti: l’impugnatura è di bronzo ed è il calco della mano di colui che ha fissato con perizia e ordine le stelle.

L’artista si prepara a fissarle di nuovo – le stelle – non più con la mano ma con gli occhi e lo sguardo dovrebbe salire metaforicamente al cielo. Fissare con le mani e con gli occhi, in uno scivolare del verbo tra l’azione e la contemplazione. Come quando dopo aver creato ci si discosta leggermente, si posano gli strumenti e si osserva l’opera compiuta. Sul cuscino si posano idee e fatiche.

Piacevole sollievo è di nuovo una pausa, un inganno, una bottiglia che sembra piena. L’artista ha realizzato delle gocce artificiali sulla superficie, proprio come quelle che si formano in estate su una bottiglia appena tirata fuori dal frigo. L’opera sembra voler indicare un preciso momento, quello in cui le mani smettono di creare e la mente si ristora. Ma anche durante questa sosta l’artista continua a pensare; pensa all’oggetto, pensa a come sospendere il tempo e lo fa installando ad una ad una le gocce di acqua, con la stessa cura con la quale aveva avvitato le stelle sul cuscino.

Torno subito, vorrebbe dire l’artigiano che si è appena concesso un momento di riposo. Mette il cartello sulla vetrina e attacca al chiodo il suo grembiule da lavoro. Ecco di nuovo il jeans e e le chiavi inglesi dall’impugnatura anatomica, e quella mano che nel suo incessante creare non lascia mai la presa e fissa infine la sua impronta sullo strumento. Un’impronta perenne, un “elogio della mano”, marchio di fabbrica, segno di riconoscimento come fosse un firma d’autore.

“Quando vedo i tuoi cieli, opera delle tue dita,
la luna e le stelle che tu hai fissato”

Recita così il Salmo 8 dal libro dei Salmi nel Vecchio Testamento, rivolto al quel Dio creatore che fissa in cielo la luna e le stelle, proprio con le sue dita. Per noi spettatori non resta che guardare, contemplare, fissare, e riflettere sulle meraviglie che la nostra mano può creare. Ricordandoci però che le idee non sono solo pura contemplazione e che il cielo può davvero diventare qualcosa di più terreno, tanto da abbassarsi fino a noi per farci appoggiare, la testa, la mano e il martello.

Serena Becagli

Note bibliografiche

Renato Barilli, Scienza della cultura e fenomenologia degli stili, Bologna, Il Mulino, 1982.
Henry Focillon, Vita della forme, seguito da Elogio della mano, Torino, Einaudi 1990.

Manualità, carattere manuale di un lavoro, abilità nell’uso delle mani.

Quando penso a questa parola, provo una certa inquietudine perché mai vorrei che perdesse il suo enorme significato e il suo valore di creazione di oggetti, opere d’arte, e anche della scrittura stessa sempre più trascurata e sostituita. Saper far bene le cose per il proprio piacere, una regola di vita semplice e rigorosa che ha consentito lo sviluppo di tecniche raffinatissime e la nascita della conoscenza scientifica moderna creando artisti, ingegneri, architetti, orafi e liutai che univano conoscenza materiale e abilità manuale.

Mente e mano funzionano insieme rinforzandosi, l’una insegna all’altra e viceversa.

In questo mio lavoro la riflessione sulla parola “manualità” mi ha spinto a giocare su essa usando le mie impronte digitali, parte estrema delle mani. Un atto essenziale e gestuale inzuppando le mie dita nella cera calda per poi togliere la cera come fosse una seconda pelle. Ho utilizzato l’antica tecnica a cera persa per fondere in bronzo le impronte, disposte e collocate su di una parete. La mia ricerca è un invito rivolto alla società contemporanea di oggi per riflettere sull’importanza della parola stessa senza innescare nessuna polemica nostalgica.

Il lavoro pensato e realizzato durante la  residenza artistica in Palazzo Monti a Brescia sta nel significato della parola stessa: Residenza. Sostare, abitare, vivere, plasmando la parola in giaciglio, letto improvvisato con mezzi di fortuna. Sono sempre stato affascinato dai giacigli degli animali visti nei boschi, li ho sempre osservati provando un senso di grande conforto. La sosta, il riposo di un animale mi ricorda la base del cinghiale di Pietro Tacca (1577-1640). Ho voluto mantenere l’aspetto originale dei pani di argilla, non volevo che perdessero la loro immagine modulare. Il gesto di sedersi e sdraiarsi fatto di proposito ma non completamente esplicito, un’immagine sfumata come di un passato già accaduto. L’osservatore quindi dovrà sforzarsi e cercare le cinque posizioni,  che sono le notti passate a Palazzo Monti circondato da pensieri, piccoli animali e motivi vegetali, come le mie soste meditative nei boschi.

The completed work carried out during the artistic residency at the Palazzo Monti, in Brescia, can be described with one word: residency. The act of inhabiting a sanctuary constructed by pieces that came together by luck.

I’ve always been attracted to animal’s nests in the forests of Italy, watching  them peacefully take shelter gave me a sense of comfort.

The unwind, an animal’s rest reminds me of the base of Pietro Tacca’s boar (1577-1640).

I wanted to maintain the original look of clay beds loaves, I didn’t want to lose their modular imagine.

The concept of sitting and lying down, on purpose but not completely explicit, a blend imagine of an occurred past. The observer is forced to find the five positions, which were the number of nights I stayed at Palazzo Monti, with my thoughts, surrounded by animals and nature.

Marco Degl’Innocenti TOOLS galleria C2 FIRENZE- marzo 2017-

Su alcuni manufatti di Marco Degl’Innocenti,  testo di Adolfo Natalini

Attrezzi da lavoro: innestati su lunghi manici di legno una mano ad artiglio è un rastrello, una mano distesa in verticale è una vanga, una mano in orizzontale è una zappa. Il progenitore di tutti i coltivatori è entrato  in un negozio di attrezzi: ha comprato solo i manici, i ferri li aveva già nelle mani. In un racconto di Borges un ignoto Pierre Menard scrive oggi il Don Chisciotte senza farne una copia: è una nuova creazione identica all’originale ma differente per il tempo in cui viene prodotta.

Una volta ho visto Marco lavorare sulla copia delle formelle della porta nord del Battistero fiorentino. Ho cercato dietro le sue spalle l’ombra del Ghiberti: sicuramente ne avrebbe ammirato il mestiere sapiente e la passione. Marco aderisce alle cose: le sceglie, le riproduce, le combina, le inventa, le crea in un processo senza fine in cui le cose si caricano di senso e alla fine sono un autoritratto.

Un’incudine di terracotta invetriata è pronto a sostenere i colpi crudeli di un maglio di ferro rimanendo in bilico su un su un sontuoso cuscino di velluto rosso. È più duro il ferro o la terracotta? Come nel gioco sasso forbici e carta ognuno vince sull’altro ciclicamente. Una fionda tende invano i suoi elastici che sono diventati  rigidi di bronzo. Un piatto da batteria attende d’esser  percosso dalle bacchette ma nel frattempo è stato inglobato da un tronco d’albero cresciuto nell’intervallo di una battuta. Mappe fantastiche nascono dal craquelé di piastrelle in ceramica e spilli con teste sferiche segnano il luoghi notevoli al viaggiatore curioso o al flàneur.

Di uno strumento meccanico di una civiltà scomparsa è rimasta solo la fragile custodia di cotto  che era sicuramente destinata a scomparire prima del ferro che conteneva. Un naturalista folle ha collezionato campioni vegetali e li ha resi eterni con un rivestimento in  caolino. Una pila di mattoni in laterizio porta i segni di un divoratore di argilla. Una custodia di velluto raccoglie un  set di cucchiaini da caffè che contengano nell’incavo l’impronta digitale dell’autore: sfuggiranno all’ incauto commensale cleptomane. Una coppia di guanti da giardiniere masochista hanno spine di rosa conficcati nel  palmo della mano.

Marco Degli Innocenti lavora come un alchimista nel trasformare le materie e lavora come un artista che, come scriveva Paul Klee, non rappresenta il visibile ma rende visibile. I suoi oggetti scultura sono esplorazioni in un’altra dimensione e in un altro tempo. Seppur prodotti ora e qui non sono contemporanei: il presente non basta e chi sposa lo Zeitgeist resta presto vedovo. I suoi oggetti scultura raccontano un’ arte antica della materia che travalica i tempi trasformando idee in cose e cose in idee. È in questo vagabondaggio della fantasticheria che sta il lapsus (il salto, l’inciampo) tra l’idea e l’ oggetto.

Marco Degli Innocenti ha rinunciato da tempo all’innocenza, malgrado il destino insito nel nome (nomen-omen) e affronta il mondo con la crudele gentilezza dell’artista.

Ora attendiamo altri suoi manufatti destinati alla nostra meraviglia.

Adolfo Natalini